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Mittwoch, 29. Januar 2014

Rainbow’s Gravity

a film by Mareike Bernien and Kerstin Schrödinger

at the 64th Berlinale

8th of February, 3pm at Kino Arsenal 1, Berlin

further more there will be five screenings in the Videolounge at Berlinische Galerie
7th, 9.th, 11.th, 13.th and 15.th of February
all at 1pm

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Rainbow’s Gravity is a cinematic study on the Agfa-Color-Neu colour film stock made in Nazi Germany. Along its three layers of emulsion, the film digs deep into the escapist colourised landscape of this time and asks for the material requirements, retentions and ideological continuities of the Agfacolor palette.
The film sequences, projected in the former production line, dismantle not only themselves, but also our view accustomed to historicise. Those scenes aim to visualise what the colour does not show. The film tries to realise, not only how it had been – in the darkrooms of the Agfa film factory – but also how it can be possible at all to face this reality today within film, in images and movements without a final or even conciliatory view of the past.

Rainbows Gravity ist eine filmische Untersuchung über den im nationalsozialistischen Deutschland hergestellten Agfa-Color-Neu-Film. Entlang seiner drei Farbemulsionsschichten gräbt sich der Blick dieses Filmes tief in die eskapistische Farbbildlandschaft dieser Zeit und fragt nach den materiellen Vorraussetzungen, ideologischen Einlagerungen und Kontinuitäten der Agfa-Farbpalette.
Die in den ehemaligen Produktionsstätten projizierten Bilder zerlegen dabei nicht nur sich selbst, sondern auch das an Historisierung gewöhnte Auge und versuchen das sichtbar zu machen, was die Farbe nicht zeigt. Dabei versucht der Film nicht nur zu ertasten, wie es gewesen ist, – in den Dunkelkammern  der Agfawerke – sondern wie es überhaupt möglich sein kann, sich dieser Realität heute filmisch, bildlich, performativ zu vergewissern ohne einen abschließenden oder gar versöhnlichen Blick auf die Vergangenheit zu werfen.

Written, directed, edited and produced by Mareike Bernien and Kerstin Schroedinger
Performers: Berit Ehmke, Hanna Bergfors, Mayan Printz, Michał Głazik, Tanja Kämper
Director of photography: Smina Bluth
Light: Wassan Ali
Set Design and Costume: Wibke Tiarks
Sound Recording: Birte Gerstenkorn
Sound Assistant: Olivia Oyama
Soundtrack: Wibke Tiarks
Catering: Mitch Andrade
Mastering: Miles Whittaker
Colour Correction: Sebastian Bodirsky

Sonntag, 17. November 2013

To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation

Les Complices* laden zur Eröffnung der Ausstellung „To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation“, einer neuen Filminstallation von Pauline Boudry und Renate Lorenz.

Eröffnung: 20. November 2013, 18 Uhr
Ausstellung: 21. November – 14. Dezember 2013, Do/Fr/Sa, 14 – 18 Uhr

Les Complices*
Anwandstrasse 9
8004 Zürich

To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation (2013), 
Installation mit Super 16mm film / HD, 18 min.

To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation (2013), 
Installation mit Super 16mm film / HD, 18 min.

Sechs Performer_innen drängen auf einen Paradigmenwechsel für die Zukunft. Sie folgen der Partitur To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation. Die experimentelle Komponistin Pauline Oliveros schrieb dieses Stück nach der Lektüre von Valerie Solanas‘ Text Scum Manifesto.

Entsprechend Oliveros’s Partitur wählen die Performer_innen jeweils fünf Tonhöhen aus und spielen diese als sehr lange Töne, moduliert oder unmoduliert. Im mittleren Teil des Stücks imitieren die Musiker_innen zudem gegenseitig ihre Tonhöhen und Modulationen. Lichtsignale – rot, dann gelb und schließlich blau, sowie zwei zusätzliche Stroboskopsignale – geben die Einsätze in dieser Komposition. Sollte eine der Musiker_innen dominant werden, so sind die übrigen aufgefordert, ebenfalls lauter zu spielen, um diese Dominanz wieder in die Textur des Stückes zurückzunehmen, „und damit strukturell herzustellen, was das SCUM Manifesto beschreibt. … Es war genau dieses Verständnis von Gemeinschaft einerseits und Individuum andererseits, das ich in diesem Manifest fand, und das zum Prinzip oder zur Philosophie der Musik wurde, die ich nun schrieb.“ (Oliveros)

Das Stück To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation baut auf den unvorhersehbaren Möglichkeiten auf, die entstehen, wenn Tonhöhen und Rhythmen unbestimmt bleiben. Nichts ist bekannt, bevor die Musik gespielt wird. Die Instruktionen sind so gewählt, dass sie „eine kontinuierliche Zirkulation von Macht“ zwischen dem Hören und dem Produzieren von Sound herstellen, ein Geben und Nehmen, das, wie Oliversas sagt, eine besondere Aufmerksamkeit im Verhältnis zwischen Selbst und Anderen ermöglicht.

Im Film tritt die 16mm-Kamera als weitere Performer_in auf, die sich beständig bewegt und mit den Performer_innen interagiert. Die gesamte Performance des Stückes ist in einem langen Take gedreht, erst im Schnittprozess wurden extreme Close-Ups integriert, die das fetischistische Interesse an Körperteilen, Instrumenten und Kostümen betonen. Die Arbeit stellt die Frage nach den Möglichkeiten und Grenzen einer Politik von musikalischen und filmischen Formen. Können Sound, Rhythmus und Licht queere Verhältnisse produzieren? Können sie revolutionär werden?

To Valerie Solanas and Marilyn Monroe in Recognition of their Desperation (2013), 
Installation mit Super 16mm film / HD, 18 min.
Performance: Rachel Aggs, Peaches, Catriona Shaw, Verity Susman, Ginger Brooks Takahashi, William Wheeler

Die Ausstellung wird zusätzlich unterstützt von Service de la culture de Lausanne, Fonds des arts plastiques.

Quelle: www.lescomplices.ch

Sonntag, 01. September 2013

Disorder of Appearance

Der diesjährige Käthe-Kollwitz-Preisträger Eran Schaerf entwickelt für die Ausstellung „Disorder of Appearance“ eine Installation, die er „Panorama“ nennt. Ausgangspunkt seiner ortsspezifischen Arbeit sind Nachrichtenbilder aus dem Netz. Schaerf untersucht ihre theatralen Strategien, wie das Medium zur Bühne wird, auf der sich Politik als Theater inszeniert. Dabei überführt er Panorama-Text-Bild-Nachrichten ins Dreidimensionale, vertont Texte ins Hörbare, materialisiert Abbilder und untersucht Sinnzusammenhänge und Bedeutungsverschiebungen in ihrer medialen Verfasstheit. Unterschiedliche Materialien und Medien kommen zum Einsatz: Text, Sprache, Fotografie, Film und Hörspiel bilden ein Ganzes, das dem Betrachter ein Panorama verschiedener Ansichten eröffnet und womöglich auch Einsichten bereithält. „Eine Panorama-Nachricht ist multiperspektivisch, mehrstimmig, fast dialogisch aufgebaut, um Wahrheit stets in den Kontext einer anderen möglichen Erzählung zu stellen.“ (Eran Schaerf)

21.09.2013 bis 03.11.2013

Akademie der Künste Berlin, Hanseatenweg, Hallen

 

Donnerstag, 13. Juni 2013

Transfer: A Street Intervention

VMK-Alumnus Jann Clavadetscher nimmt an der Ausstellung Duende in der Roten Fabrik teil und transportiert sein Exponat – einen 35-mm-Projektor – zu Fuss zum Ausstellungsort.

Date: Monday, June 17, 2013
Start: 8 am
From: Kochstrasse 18, 8004 Zurich
To: Rote Fabrik, Seestrasse 395, 8038 Zurich

In certain parts of the world the spectacularity of the street – processions, traffic deadlocks, hoardings, grime – is irrepressible everyday stuff. In Zurich, however, such occurrences are not on the daily menu. Consequently, there is little doubt that this city of clean, uninterrupted and zippy street life will be doubly alert to a 35 mm projector trundling over to the exhibition site.

Jann, who currently has a day job at a city multiplex, came into possession of the projector when Zurich multiplexes went digital.

In her essay „In Defense of the Poor Image„, Hito Steyerl writes, „In the class society of images, cinema takes on the role of a flagship store. In flagship stores high-end products are marketed in an upscale environment.“ The essay was published in the e-flux’s journal #10 in 2009; at the time the 35 mm format still had some staying power. Circa 2013, flagship stores all over are frantically upgrading.

According to Steyerl, „The poor image is an illicit fifth-generation bastard of an original image. Its genealogy is dubious.“ While the 35 mm image doesn’t qualify as poor in the manner elaborated by Steyerl, it is nevertheless increasingly depleted. Although the richness of the 35 mm continues to be heavily coveted by cineastes, Jann being a case in point, what was until recently top of the charts is now a relic of slowness.

This slowness curbs circulation and thereby impoverishes the icon’s standing in the larger image economy.

Jann embodies this projector; has it on him at all times. While it is true that this intense relation borders on a sort of not-altogether-new fetishisation of the analog; it is also true that the weight of this object and its slowness, stagger the icon and demand a contemplative pace and even a struggle from the artist.

De rigueur digital media will be mobilised to document this transfer and the documentation will be presented at the exhibition site alongside the 35 mm, which won’t be throwing out any images. Outlandishly shiny and sprightly for something that’s hurtling towards obsolescence, the projector’s deliberately eroded functionality is intended, among other things, to draw focus on the crossroads this iconic object is at.

This street intervention is a preface to „Duende“.

– Gitanjali Dang

Facebook-Event

Duende

Artists: Gauri Gill, Jann Clavadetscher, Juan Carlos Alom, Navid Tschopp, Raphael Hefti, Raphael Perret, Sam Porritt, Sahej Rahal and Shreyas Karle

Curated by: Gitanjali Dang

Address: Rote Fabrik, Seestrasse 395, 8038 Zurich
Opening: Wednesday, June 19, 6.30 to 9 pm
Dates: June 20 – 25
Timings: June 21, 23 and 25: 4-6 pm; and otherwise by appointment
Exhibition walkthrough: Sunday, June 23, 5 pm

Facebook-Event

About Khanabadosh

The idea of the embodied practice, wherein art practitioners embody their aesthetic like turtles embody their home, is central to Khanabadosh, an itinerant arts lab initiated by curator-critic Gitanjali Dang in September 2012. Khanabadosh is the hindustani word for those who carry their homes with them.

For additional details:
Email: gitanjali.dang@gmail.com + kforkhanabadosh@gmail.com
Call: +41 77 49 22 542

Dienstag, 14. Mai 2013

Kino Raum (1)

Kino Raum (1) is the first in a series of collaborative exhibition events by Jann Clavadetscher and Rouzbeh Rashidi. The practice of both artists is rooted in experimental cinema, and Kino Raum will explore and dissect the concept of the cinema-space, both physical and mental. Using the gallery as a laboratory of ‚cinemas,‘ it will encompass not only traditional projection and gallery installation, but will also address the material and dematerialisation of the filmic image, inviting spectators to consider the history of film from its celluloid origins to its current digital state.

Appropriately, Kino Raum (1) will open with a projection of Clavadetscher and Rashidi’s collaborative feature film Jean Speck (1860-1933) (2011), named in honour of the man who opened Zurich’s first cinema. The material origins of cinema will be evoked by Clavadetscher’s expanded cinema performance Atlantik Film, which will involve the exposure of camera-less film in front of the audience. And a selection of works from Rashidi’s ongoing personal digital cinema project Homo Sapiens Project will stand as one artist’s probing look at where the ever-pressing question ‚what is cinema?‘ has arrived today.

Schedule

Wednesday May 15th, 2013
6pm screening films
7:30pm performance

Thursday May 16th, 2013
7pm screening of the film made in the perfomance the day before

Corner College
Kochstrasse 1
8004 Zürich
www.corner-college.com

Short synopsis of the shown films

Jean Speck (1860-1933)

Little is known of Jean Speck (1860-1933) beyond the fact that he opened Zurich’s first cinema. Rouzbeh Rashidi and Jann Clavadetscher consider the flittering black and white ghosts and shadows that he left in his wake in their phantasmagorical experimental feature film. This journey through a cinematic night probes the very essence of the cinematic image.

Atlantik Film (Jann Clavadetscher)

Atlantik Film started off as a project called Die Belichtung (‚The Exposure‘) where an audience in absolute darkness attempted to shine light onto part of an unexposed film roll. A match was struck and for this short moment audience and cinema became one. Kino Raum (1) will be the continuation of this Exposure Project. This event will take place in two parts: Day one, the film is exposed to light. Day two, the film will return from the Laboratory and be projected.

Homo Sapiens Project (Rouzbeh Rashidi)

Homo Sapiens Project are highly experimental works, part cryptic film diaries and part impressionistic portraits of places and people, and often suffused with an eerie sense of mystery reminiscent of horror cinema. From highly composed and distantly framed meditations to frenetically flickering plunges into the textural substance of moving images, the restless creativity of this vision of life as a cinematic laboratory is never short of surprising. Encompassing everything from documentary monologues to found footage, Rashidi constantly strives to expand his filmmaking palette while putting his unmistakable stamp on whatever footage passes through his hands.

Montag, 28. Januar 2013

Thomas Isler gewinnt den 3. Migros-Kulturprozent CH-Dokfilm-Wettbewerb

Das Siegerprojekt des 3. CH-Dokfilm-Wettbewerbs des Migros-Kulturprozent zum Thema „Mut? Mut!“ trägt den Titel: „Es wird kalt in Europa“. Der Basler Regisseur Thomas Isler durfte am 25. Januar 2013 im Rahmen der Solothurner Filmtage den Preis entgegennehmen. Das Migros-Kulturprozent übernimmt mit der Beteiligung von SRG SSR die Kosten für die Realisierung des Films. Den 4. CH-Dokfilm-Wettbewerb lanciert das Migros-Kulturprozent erstmals als Carte Blanche.

Thomas Islers Filmprojekt trägt den Untertitel „Die falschen Freunde der Direkten Demokratie“ und widmet sich dem Phänomen, dass sich rechtsradikale Parteien in Europa vom politischen System der Schweiz inspirieren lassen. Mit der Kamera fängt der Regisseur Aufritte von Schweizer SVP-Vertretern im Ausland ein, befragt Wortführer rechtsbürgerlicher Parteien in Deutschland, Frankreich und Österreich nach ihrem Demokratieverständnis und bittet Historiker und Philosophen um eine gesellschaftliche Einschätzung. Ziel des Films ist es, die „Sehnsuchtsinsel Schweiz“, die sich selber gerne als Wiege der Rechtsstaatlichkeit sieht, mit ihrer Rolle in einem krisengeschüttelten Europa zu konfrontieren.

Mit seiner Idee, das Thema „Mut? Mut!“ mit der Krise der Direkten Demokratie in Verbindung zu bringen, überzeugte Thomas Isler die Jury. „Der Film widmet sich in differenzierter und filmisch innovativer Art und Weise einer aktuellen gesellschaftlichen Fragestellung“, sagt Hedy Graber, Leiterin der Direktion Kultur und Soziales des Migros-Genossenschafts-Bund und Jury-Präsidentin. „Auf die unterschiedlichen Sichtweisen darüber, was Direkte Demokratie vermag, kann man gespannt sein.“ Der Film wird voraussichtlich 2014 im Kino Premiere feiern.

Quelle: www.presseportal.ch

Sonntag, 23. Oktober 2011

Automontage

Eva Meyer / Eran Schaerf, Pro Testing, 2010

Automontage
Eva Meyer / Eran Schaerf

Eröffnung: Mittwoch, 26. Oktober 2011, ab 18 Uhr
Ausstellung bis Samstag, 19. November 2011
Do, Fr, Sa 14 – 18 Uhr

„Wenn Du das liest, bin ich schon in einem anderen Film.“ Damit ist sowohl der Schnitt zwischen zwei Filmen wie auch zwischen zwei Zeiten, Geschichten, Medien gemeint. Um diesen Schnitt geht es bei „Automontage“: Wenn die Kamera einem Träger übergeben wird und das Bild nicht durch den Blick im Sucher bestimmt wird; wenn das Material, das dabei entsteht, einem fremd wird – das Bild beschreibt sich selbst und bildet nicht nur ab, sondern öffnet sich auf unvorhersehbare Geschichten.

Als eine Geschichte des Schnitts – und das heisst: der Kombinatorik von Geschichten – ist „Automontage“ ein unendlicher Film. Oder eher ein Film, der nie zu Ende gesehen werden kann? Der indirekte Blick entzieht sich jeder Schlusssequenz.

Als Ausstellungstitel spielt „Automontage“ mit der Dauer der Ausstellung, mit der Anzahl der Tage, an denen der Ausstellungsraum für das Publikum geöffnet ist, und den Zeiträumen dazwischen. Die Filmfragmente binden die Betrachtenden mit ein, indem sie dazu einladen, sich performativ an der Herstellung dieser „Verbindung von Unterschieden“ zu beteiligen. „Nehmen Sie einen Satz und synchronisieren Sie sich damit.“

Quelle: www.lescomplices.ch

Les Complices*
Anwandstrasse 9
8004 Zürich

Donnerstag, 05. Mai 2011

Filmabend Gregory Markopoulos

Still aus The Illiac Passion, 1964-67, Fotografie: F. Eberstadt, Courtesy Temenos-Archiv, Zürich

The Illiac Passion
1964-67, 16mm, Farbe, Ton, 90 Minuten

Ming Green
1966, 16mm, Farbe, Ton, 8 Minuten

Zwei Filme von Gregory Markopoulos
Anschliessend Publikumsgespräch mit Filmemacher Robert Beavers, Temenos-Archiv, Zürich

am Dienstag 10. Mai 2011 um 19 Uhr
im Vortragssaal der ZHdK, Ausstellungsstrasse 60
8005 Zürich

Gregory Markopoulos (1928-92) entwickelte seine experimentelle Filmsprache zunächst im Umfeld von Cinema 16 und später als Mitbegründer der The Film-makers Cooperative (u.a. gemeinsam mit Jonas Mekas), bis er in den späten 1960er Jahren von New York nach Europa übersiedelte. Mit dem Filmemacher Robert Beavers lebte er bis Anfang der 1990er Jahre an verschiedenen Orten u.a. in Griechenland, der Schweiz und Deutschland. War Markoupolos zu Beginn noch an der klassischen Erzählweise des Hollywood-Kinos orientiert, entwickelte er in den 1960er Jahren eine radikale Montagetechnik zwischen mehreren Bild-, Ton- und Sprachebenen. Einzelne Sequenzen wurden in einer speziellen Schnitttechnik noch in der Kamera editiert und einzelne Bilder auf diese Weise collagenartig zusammengesetzt. Durch fragmentarische Erzählweisen und eine weitgehend unabhängige Bild- und Tonebene etabliert Markopoulos eine eigene Zeit-Architektur in seinen Filmen.

The Illiac Passion versetzt die Figuren einer antiken Prometheus-Erzählung in die New Yorker Kunstszene der 60er Jahre. Leidenschaft, Begehren und Gewalt kommen mit einer tragischen Poetik auf die Leinwand, die heute geradezu verstörend wirkt. Kurz bevor Markopoulos sein Appartment im Greenwich Village Ende der 60er Jahre in Richtung Europa verliess, entstand Ming Green als Porträt einer räumlichen Beziehung.

Organisiert von Maria-Cecilia Quadri, Gabriel Möhring, Joris Stemmle und Burkhard Meltzer im Rahmen des Seminars Kunstgeschichte der Medien

Montag, 18. April 2011

Zwischen Art Direction und Artists in Labs

Der Fernsehsender Servus-TV hat vor kurzem VMK-Mitarbeiter Oliver „Olsen“ Wolf und seine Projekte vorgestellt. Dazu gehören seine Mitarbeit an der Ausstattung des Schweizer Science-Fiction-Films Cargo und sein derzeitige Teilnahme am Programm Swiss artists-in-labs.

Der Beitrag ist online abrufbar:
http://www.servustv.com/cs/Satellite/Article/gut-leben–011259337834373 (Start bei 21:00)

Montag, 25. Oktober 2010

Eigenes Material wie fremdes erscheinen lassen – der Einsatz der Bilder in Filmen Chris Markers

Digitaler Salon mit Barbara Filser

Dienstag, 2. November 2010, 19 Uhr
VMK, Sihlquai 131, 8004 Zürich

Am Schneidetisch, so der Found-Footage-Filmemacher Bruce Conner über seine Vorgehensweise, werde jegliches Material zu fremdem Material, ungeachtet dessen, ob die Aufnahmen von jemandem anderen oder ihm selbst gemacht wurden. Dasselbe lässt auch über den Einsatz der Bilder in einigen der bekanntesten Arbeiten des französischen Filmessayisten Chris Marker sagen: Immer wieder erscheinen darin auch die eigenen Aufnahmen wie fremdes Material oder werden sogar wie solches präsentiert.

Das Verfahren mit dem Bildmaterial, das eine solche „Verfremdung“ bewirkt, wäre ausgehend von der Praxis filmischer Kompilation als eine Art Wiederaneignung zu beschreiben. Wie diese funktioniert und was sie für die jeweiligen Bilder und den Film bedeutet, soll im Vortrag an verschiedenen Beispielen untersucht werden.

Chris Marker, Sans Soleil, 1982 (Standbild)

Barbara Filser studierte Kunstgeschichte bzw. Kunstwissenschaft in München und Karlsruhe und war als wissenschaftliche Mitarbeiterin am Zentrum für Kunst und Medientechnologie in Karlsruhe und am Edith-Ruß-Haus für Medienkunst in Oldenburg tätig. Sie promovierte 2007 an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe mit einer Arbeit zu bildtheoretischen Aspekten in Filmen von Chris Marker (erschienen im Frühjahr 2010 unter dem Titel „Chris Marker und die Ungewissheit der Bilder“). Zuletzt war sie Postdoktorandin am Graduiertenkolleg „Mediale Historiographien“ der Universitäten Erfurt, Jena und Weimar mit einem Forschungsprojekt zur Dokumentarfotografie.